texto de Paolo Bardelli
“Pink House”, Lithia (Independente, 2026)
Está cada vez mais difícil sentir uma emoção genuína, mas a banda Lithia, de Chicago, parece ainda provocar isso. Eles absorvem a vida e se deixam tocar. Contemplam paisagens e se emocionam. Tocam sua vertente impactante de shoegaze-pop e, de repente, somos nós que sentimos um arrepio. Pode parecer estranho recomendar um álbum de uma banda com apenas 433 ouvintes mensais no Spotify como se fossem heróis nacionais, mas é exatamente isso que precisa ser feito. Precisamos olhar além dos algoritmos. “Lançar o coração além do obstáculo”, como diz o ditado. A capa de “Pink House” — que também aparece parcialmente no primeiro single, “The Mire” — chama a atenção, pois prepara o cenário: é uma casa no meio do nada. Você simplesmente abre a porta e entra, sem nunca saber ao certo se encontrará algo belo ou inquietante. Afinal, o estilo vitoriano é sinônimo de horror. “Sempre me senti atraída por lugares que parecem esquecidos pelo tempo”, diz a vocalista Sylvia Koch-Weser. “The Pink House é um lugar real que encontrei por acaso enquanto dirigia. Parei para tirar uma foto, sem saber a história por trás dela — que era uma ‘spite house’ (uma casa construída especificamente para irritar alguém), erguida após um acordo de divórcio que não especificava o local exato da construção. (…) A casa em si parece quase um espelho da incapacidade de perdoar. Nada conseguiria sobreviver ali — exceto a própria casa.” A música do Lithia não é inquietante; pelo contrário, possui a textura de memórias vívidas: o pop com ares de Coldplay em “Self Isolation”, os acordes melancólicos de “Badlands” e a coesão melódica de “The Mire”, onde surge um toque de sonoridade sintética (Kasabian, talvez?). A voz de Sylvia é evocativa na medida certa; Ela evita acrobacias desnecessárias, preferindo, em vez disso, sustentar e prolongar as notas. São canções e melodias que aderem à pele como um arrepio consciente — paisagens distantes (como em “Where I Went Wrong”) que despertam o desejo de apenas contemplá-las, sem fazer absolutamente nada. A doce arte de não fazer nada. Pois, se um álbum como este está destinado a permanecer desconhecido do público, cabe a nós compartilhá-lo com outras pessoas. Elas nos agradecerão.
“Role Model Hermit”, de Mary in the Junkyard (AMF, 2026)
Clari Freeman-Taylor, cantora e multi-instrumentista da Mary in the Junkyard, possui uma personalidade marcante. Isso fica evidente tanto na sonoridade quanto na estética visual da banda. Para a capa do álbum de estreia do grupo londrino, ela escolheu ser retratada usando uma barba postiça — lembrando um pescador islandês —, após decidir, durante uma viagem, que era a reencarnação de um pescador do passado que vivia com um ratinho; ela canta essa história na faixa de encerramento do álbum, “Mouse”. Assim, essa “Clari-pescadora” nos encara de soslaio com um ar austero, captada em um estilo em preto e branco que parece ter saído diretamente do século XIX. Tons sombrios e uma imaginação persistente são as forças motrizes de Mary in the Junkyard; no entanto, o trio britânico desafia classificações rígidas e não pode ser definido de uma única maneira. Eles são multifacetados. O New York Times e os próprios integrantes da banda descreveram “Role Model Hermit”como uma “coleção de fábulas sombrias”, mas isso soa… limitante. Vale destacar que a base mais vívida do grupo é um indie rock sólido, despido de excessos e com uma sonoridade tipicamente americana. Aqui, arpejos e súbitas explosões de energia (“Seek And Destroy”) misturam-se a detalhes que remetem ao Wet Leg (banda para a qual abriram shows em turnê) — como o gancho vocal “tu-du” em “New Muscles” — e, de modo geral, a uma delicadeza típica do Big Thief. A sonoridade é ocasionalmente enriquecida com violoncelos, violas e pequenos órgãos. Há baladas mais leves (“Peter The Dog”) e faixas verdadeiramente brilhantes (o belo single “Crash Landing” apresenta passagens harmônicas que lembram “Pyramid Song”, do Radiohead), mas, no geral, o tom do álbum é melancólico e muito frio. Não é coincidência que o Mary in the Junkyard descreva sua sonoridade como “propensa ao choro”: a atmosfera não é de desespero, mas sim a de alguém que perdeu o rumo — buscando desesperadamente algo que não sabe onde encontrar. Mas isso não vale para todo mundo?
“Move On With The Year”, de Alice Costelloe (Moshi Moshi, 2026)
Nos anos 2000, houve um momento em que o “pequeno era belo”: ganhava-se menos com música, e os artistas começaram a trabalhar por subtração, reduzindo o número de integrantes da banda e usando menos instrumentos. Foi assim que o minimalismo se tornou dominante em alguns ambientes indie, inclusive musicalmente. Nesse contexto, surgiu uma banda, Au Revoir Simone, com três garotas do Brooklyn que tocavam em seus quartos, criando um frenesi de teclados e vocais suaves, e que lançaram seu trabalho pelo selo londrino Moshi Moshi. É deste mesmo selo (criado em 1998) que pertence hoje Alice Costelloe, uma cantora de art-pop nascida em Londres que debutou solo com o EP “So Neurotic” (2023), ainda assinando como Al Costelloe, e agora chega ao seu primeiro álbum, “Move On With The Year” (2026). Alice já havia integrado o duo shoegaze Big Deal, lançado pelo selo Mute Records (casa de Nick Cave, Depeche Mode e Goldfrapp), e também sido baixista de apoio da banda Superfood. Assim como o Au Revoir Simone, Alice Costelloe também se apresenta como uma compositora que utiliza poucos instrumentos, priorizando a frugalidade em detrimento da ordem externa. Em particular, ele utiliza o mellotron e as flautas, criando um resultado delicado, um dream pop entre o sereno e o melancólico, feito de pequenas nuances do cotidiano. As canções são bem escritas e, às vezes, são mais rápidas com o acompanhamento do violão, como no caso de “How Can I”, outras vezes introduzem elementos sonoros muito sutis (o piano elétrico que soa como um sino em “Too Late Now”). Uma psicodelia que poderia ser a de artistas como Weyes Blood, mas com muito menos efeitos e orquestração (“Feet On The Sand”). Uma sensibilidade, portanto, mais do que contemporânea, transversal a épocas, com o simples imperativo categórico – por assim dizer – de “compor belas canções”, embora talvez um pouco crua. Por ora, isso basta, o álbum flui muito bem, então aguardamos ansiosamente um teste posterior, talvez com mais ousadia nos arranjos. Um próximo álbum que a leve a um patamar superior.
Textos publicados originalmente no site italiano Kalporz, parceiro de conteúdo do Scream & Yell.