Posts from — Outubro 2008

Ri muito durante as 385 páginas de “O Som e a Fúria de Tim Maia” (até devo ter ficado chapado em alguns momentos pela quantidade de baurets falada no livro), mas vou dizer que assim que cheguei no portão de casa, e entrei na última página, meus olhos marejaram. Sebastião merecia muito mais. Muito mais tudo.

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Próximo livro: “Bill Graham apresenta: Minha vida dentro e fora do rock” (Ed. Barracuda)

 Curumin na Galeria Olido

A Galeria Olido é um dos vários espaços bacanas do centro de São Paulo. Quando soube do show do Curumin, achei que ele seria num dos anfiteatros do local (em que vi um dos melhores shows do CSS alguns anos atrás), mas a produção “adotou” o espaço de aulas de dança de salão, com a Avenida São João ao fundo, numa imagem bonita e com um q de poesia.

Curumin encerrava sua temporada no local, e aproveitou para abrir o microfone para MCs, que improvisaram e mandaram o verbo para um bom público que se espalhava no local. Divulgando seu mais recente álbum, o excelente “Japan Pop Show”, o “Curumin Trio” (o próprio na bateria, mais um baixista e um programador) apresentou algumas canções do disco e nos intervalos abria espaço para a intervenção de DJs.

Os intervalos entre uma canção e outra quebraram o ritmo do show, que parecia mais um ensaio aberto com amigos – amplificado pelo clima descontraído do local – do que uma dita apresentação. As versões ao vivo das ótimas “Mal Estar Card”, “Compacto” e “Magrela Fever” credenciam um show completo de Curumin, que se apresenta no Planeta Terra 2008. Fique de olho.

Nina Becker no Studio SP

A responsabilidade não era pouca. Acompanhada pelo grupo DoAmor, a cantora Nina Becker iria cantar as canções do álbum “Build Up”, de Rita Lee – seguindo o tracking list original do álbum. Lançado em 1970, com orquestrações do maestro Rogério Duprat e produção do então marido Arnaldo Baptista, a estréia solo de Rita Lee – ela ainda fazia parte do’s Mutantes – é um clássico do rock brasileiro.

Com um Studio SP recebendo um púbico excelente para o horário, a noite começou com Nina se desculpando pela falta de voz devido a uma gripe repentina, que chegou a atrapalhar a interpretação de algumas canções que exigiam mais do vocal (como “Hulla-Hulla”, “Calma” e “Viagem Ao Fundo de Mim”), mas a experiência funcionou bastante, com o grupo DoAmor surpreendendo nos arranjos e o público cantando boa parte das canções.

“Sucesso, Aqui Vou Eu (Build Up)”, “Eu Vou Me Salvar” e, principalmente, a dobradinha “Macarrão Com Linguiça E Pimentão” e “And I Love Him” foram os grandes momentos da noite, que pelo sucesso de público merece novas exibições (até que para grupo e cantora sintam-se mais à vontade com o repertório e a apresentação cresça em qualidade e profundidade). Que venham outras noites como essa.

Fotos: S&Y/Marcelo Costa (http://flickr.com/people/maccosta)

Leia mais:
- “Japan Pop Show”, de Curumin, por Marcelo Costa (aqui)

“Loki”, documentário sobre Arnando Baptista, têm mais uma exibição na Mostra de Sâo Paulo neste sábado, 21h30, no Cine Bombril. Se eu fosse você, dormia na bilheteria. É sério.

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Pérolas do ENEM 2008. O tema da redação foi Aquecimento Global e fica a pergunta: será que esse país tem “geito”/”conçerto”?

“Precisamos de oxigênio para nossa vida eterna.”

“O que vamos deixar para nossos antecedentes?”

“A floresta tá ali paradinha no lugar dela e vem o homem e créu.”

“Os estrangeiros já demonstraram diversas fezes enteresse pela amazônia.”

“O problema da amazônia tem uma percussão mundial. Várias Ongs já se estalaram na floresta.”

(leia mais aqui)

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A primeira canção do EP produzido por Ivan Santos (vocalista da banda curitibana OAEOZ) e Giancarlo Rufatto está disponível no My Space. Escrita por Ivan e cantada por Giancarlo, “Deserto” recebeu um arranjo complemente diferente da versão original presente no disco “Ao vivo na Grande Garagem que Grava” do OAEOZ. O EP será disponibilizado em breve pela De Inverno Records. Ouça “Deserto” no link abaixo:

http://www.myspace.com/giancarlorufatto

“Loki”, de Paulo Henrique Fontenelle - Cotação 5/5

Nas ruas de Londres, um fã (aparentemente) britânico pára Arnaldo Baptista e começa um discurso emocionado que enaltece a grandiosidade do’s Mutantes, grupo que Arnaldo formou com seu irmão Sérgio e, aquela que viria a ser sua primeira namorada e mulher, Rita Lee. Na seqüência, um brasileiro passa por Arnaldo, caminha uns dez passos e volta gritando: “Mutantes, porra, você é foda demais”. A palavra é exatamente essa: Arnaldo Baptista é foda demais.

“Loki”, documentário emocional de Paulo Henrique Fontenelle, lança luz com devoção sobre a carreira do homem responsável por uma das maiores – se não a maior – e mais geniais formações de rock do lado debaixo do Equador. Fontenelle busca amigos, parceiros e produtores que abrem o coração para a câmera detalhando histórias e causos da vida de Arnaldo Baptista. Mais: resgata imagens raríssimas de época, trechos de entrevistas e aparições em TV que soam como pepitas de ouro visuais que dão um colorido especial ao passado.

O filme começa com um amigo de escola, Raphael Villardi, que lembra o momento em que Arnaldo comprou um baixo e decidiu formar um grupo de rock. Estava criado O’Seis, grupo que viria a ser um dos embriões do’s Mutantes. Daí em diante entra em cena a Tropicália, os grandes festivais da Record, raras entrevistas e a viagem para a Europa que rendeu a gravação do álbum “Technicolor”, gravado em 1970 e lançado apenas em 2000.

Em um dos trechos mais tocantes da película, Arnaldo comenta sobre a relação com Rita Lee, o casamento e a separação, pede desculpas e assume que não pôde dar a atenção que ela merecia naquele momento. Dinho (baterista) e Liminha (baixo) relembram – emocionados – o dia em que Rita avisou que estava pulando fora do barco. “Eu sai para fora da casa do Arnaldo e comecei a chorar”, conta Liminha. “Era o fim”, sentencia Dinho (de olhos marejados). Não foi ao menos por um tempo, enquanto Arnaldo segurou a formação ao lado de Sérgio.

O irmão é outro que dá a cara a bater no filme. “Ele saiu e eu fiquei com os Mutantes, e eu não sabia o que fazer. Eu estava perdido e segui com a banda porque era o que eu achava que tinha que fazer”, desabafa o guitarrista, que em um dos momentos mais intensos do documentário culpa a imprensa, os amigos e a si mesmo pela falta de tato com o irmão. “Ele é um gênio e a imprensa… e as pessoas ficavam falando coisas que confundiram e atrapalharam ele. São todos uns cretinos. E eu também sou um cretino por não conseguir entende-lo e quero pedir desculpas publicamente por isso”, diz Sérgio.

Após sua saída do’s Mutantes, Arnaldo lançou seu primeiro disco solo, “Loki”, que dá título ao filme e é considerado por muitos como um dos dez maiores álbuns da música popular brasileiro, um flagrante de sofrimento e dor que impressiona e comove por sua sinceridade. A partir daí, ele segue com projetos paralelos com a banda Patrulha do Espaço (registros lançados no ótimo álbum “O Elo Perdido”) até lançar o segundo álbum solo, “Singin Alone”, em 1980, e caminhar até a janela do Hospital do Servidor Publico, em São Paulo, quebrar o vidro e pular do terceiro andar atirando-se numa tentativa de suicídio.

O resultado do vôo: sete costelas fraturadas, várias lesões pelo corpo e dois edemas: um cerebral – seríssimo – e um pulmonar. O músico ficou quase dois meses em estado de coma, e quando retornou a si, precisou de mais dois meses para se recuperar (a traqueotomia a que fora submetido afetara suas cordas vocais alterando seu timbre de voz). Amparado por Lucinha Barbosa, Arnaldo renasceu e foi morar em Juiz de Fora, em Minas Gerais, afastado da mídia e do público em busca de paz. De lá pra cá aparições esporádicas em pequenos shows em São Paulo e no Free Jazz Festival, ao lado de Sean Lennon, fã confesso do’s Mutantes, até o álbum “Let It Bed” em 2004 e a reunião consagradora do grupo em 2007.

“Loki” é um dos daqueles documentários que vangloriam o cinebiografado, mas exibe uma sinceridade tão tocável que anula qualquer comentário contrário a sua imensa qualidade. Rita Lee não topou dar entrevistas para o filme, mas liberou o uso de suas imagens. Bancado pelo canal fechado TV Brasil, “Loki” terá raras e esparsas exibições nos cinemas (em sessões especiais e festivais ao redor do país) até estrear definitivamente na telinha. Uma pena. “Loki” é daqueles filmes que deveriam ficar semanas e semanas em cartaz com grande divulgação e grande público em uma telona. Fique atento e não perca a oportunidade de assisti-lo. 

Curumin gratuito às 19h na Galeria Olido e Nina Becker cantando “Build Up”, o primeiro disco solo de Rita Lee (produzido por Arnaldo Baptista), às 21h no Studio SP, também gratuito. Programão!

A Gabi me avisou, e é legal repassar:

De zero hora às 23H59 de hoje, 28 de outubro, terça-feira, todos os itens da loja eletrônica da Cosac Naify têm 50% de desconto. Aqui:

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E vale repetir que os livros da obrigória coleção “Iê, Iê, Iê”, da Conrad, estão esperando os incautos. A Conrad está fazendo uma promoção excelente com o pacote de quatro volumes da coleção Iê, Iê, Iê, que conta com os livros “Reações Psicóticas”, de Lester Bangs, “A Última Transmissão”, de Greil Marcus, “Criaturas Flamejantes”, de Nick Tosches e “Beijar o Céu”, de Simon Reynolds, os quatro livros por R$ 47 (R$ 11,75 cada um, uma bagatela!).

http://www.lojaconrad.com.br/produto.asp?id=832

É sintomático que Jards Macalé, Macao para os amigos, abra o décimo disco de sua carreira – de quase 40 anos de janela – com “Farinha do Desprezo”, parceria com Capinan circa 68/69 que abriu seu primeiro disco, homônimo, em 1973. Agora, mais ainda, os versos “já comi muito da farinha do desprezo / não, não me diga mais que é cedo / (…) Só vou comer agora da farinha do desejo” soam fortes e emblemáticos. Para uma versão a altura da original (que conta com Lanny Gordin e Tutty Moreno), Macalé sobrepôs quatro violões rebeldes – todos tocados por ele mesmo – e concentrou-se em uma interpretação arrepiante.

Na segunda faixa, “Boneca Semiótica” (gravada originalmente no segundo álbum de Macalé, “Aprendendo a Nadar”, de 1974), Jards incorpora à melodia de seus violões um sampler da orquestração de Wagner Tiso para a versão original, e ainda programação, prato e garfo, produção, mix e sampler do pessoal do Laptop&Violão, que atualizou a canção (que já era mais 2000 que 1970) de forma interessante (e com uma interpretação mais comovente). “O Engenho de Dentro”, parceria esquecida com Abel Silva, é uma das três canções inéditas de “Macao”, um samba que lembra Paulinho da Viola e destaca um bonito solo de flauta de Dirceu Leite.

“Se Você Quiser” (outra inédita, parceria com Xico Chaves) é um delicioso maxixe que Jards Macalé chama de “samba de berço” e segue o clima de “O Engenho de Dentro”. Já “Balada”, parceria com Ana de Hollanda, tem sotaque jazzy, com o clarinete e o baixo lembrando algo da bela trilha dos “Saltimbancos Trapalhões”, numa letra que procura encorajar novos compositores. “The Archaic Lonely Star Blues” havia sido gravada por Gal Costa no álbum “Legal” (1970), e tem seu primeiro registro na voz do autor numa belíssima versão meio jazz, meio bossa, meio samba-canção.  

Entre os homenageados estão Jacques Brel numa versão voz e piano – e em francês – de “Ne Me Quitte Pas”; Lupicinio Rodrigues comparece cedendo a sua “Um Favor” numa versão voz e violões; Tom Jobim, de quem regravou o clássico “Corcovado” (dedicada à Johnny Alf no encarte); Paulo Vanzolini (e São Paulo – “pelo bem que a cidade me fez e nos faz”) na sublime versão de “Ronda”; e, por fim, Luiz Melodia, com “Só Assumo Só”, faixa que mais lembra o Macalé dos shows atuais, engolindo sílabas, violão dissonante em punho cujas notas ásperas acariciam a audição, emoção a flor da pele em uma letra riquíssima de imagens.

A idéia de Jards para “Macao” era gravar tudo voz e violão, mas ele acabou agregando outros instrumentos conforme as gravações corriam (apenas quatro faixas do álbum seguiram a idéia original). No encarte, ele se explica (e se desculpa sem se desculpar): “Neste disco, quanto mais buscava a perfeição, a voz e (principalmente) o violão sibilava, rosnavam; as cordas ruidavam entre o metal, o nylon e a madeira. Me lembrei de Baden Powell e Nelson Cavaquinho que não tinham pudor do ruído. Achei que a perfeição só existe quando você tenta aperfeiçoar o imperfeito… em vão. Deixei como está: humano”. A humanidade da interpretação de Jards Macalé encanta e crava no peito a verdade absoluta do violão: a beleza está nos ruídos.

“Macao”, Jards Macalé (Biscoito Fino)
Preço em média: R$ 30
Nota: 9

Voce é a unica pessoa do mundo que conseguiu manter o mesmo email por mais de 5 anos, alias, já tem dez anos não?

Doze.

Isso diz muito sobre a minha personalidade… ou talvez sobre a minha preguiça… risos

Na próxima quarta-feira, no Studio SP, entrada franca, Nina Becker canta as canções do álbum de estréia da Rita Lee. Imperdível, hein. E esse flyer…

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O Lasciva Lula, que anunciou o fim neste ano, está disponibilizando em seu My Space o EP “Lasciva Lula V”,  com sobras do álbum “Sublime Mundo Crânio” e outras raridades, a saber:  ”Vontade de Beijar Caetano”, “Entre Gêmeos e Leão”, ”Mistério da Moça’, “Carta ao Cals” e ”Família Feliz”.

http://www.myspace.com/lascivalula

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E o line-up do SP Noise Festival está bem bacana, hein.

PROGRAMAÇÃO

SEXTA 21/11
Black Mountain (Canadá)(Palco 1)
Flaming Sideburns (Finlândia)(Palco 2)
Motek (Belgica)(Palco 1)
Os Ambervisions (SC)(Palco 2)
The Tormentos (Argentina)(Palco 1)
Black Drawing Chalks (GO)(Palco 2)

SÁBADO 22/11
Vaselines (Escócia)(Palco 1)
Black Lips (USA)(Palco 2)
The Ganjas (Chile)(Palco 1)
Do Amor (RJ)(Palco 2)
Calumet-Hecla (USA)(Palco 1)
Homiepie (SP)(Palco 2)

SERVIÇO:
SP Noise Festival
21 e 22 de novembro
Eazy - Av. Marquês de São Vicente, 1767, Barra Funda - São Paulo - SP.
Tel: (11) 3611-3121.

Ingressos:
21/11 (sexta-feira): R$55,00 (antecipado) e R$65,00 (no dia)
22/11 (sábado): R$65,00 (antecipado) e R$80,00 (no dia)

Ingressos antecipados à venda na Sensorial Discos
Rua 24 de Maio 116 (Rua Alta), Centro. Tel: (11) 3333 1914

“Segurando as Pontas”, de David Gordon Green – Cotação 3/5

Dale Denton é um funcionário do governo encarregado de entregar intimações. Não só. Denton também é maconheiro e namora uma das garotas mais bonitas da escola (embora seja bem mais velho e já tenha saído da escola). Em uma de suas visitas ao seu fornecedor de marijuana, Saul (James Franco), Denton sai da casa do traficante com um pacote da excelente Pineapple Express, fumo de altíssima qualidade que só Saul tem na cidade.

Porém, a sorte não está do lado dos nossos amigos chapados. Denton vai entregar uma intimação para um dos chefes do tráfico na cidade, e acaba presenciando um assassinato. Ao sair da cena do crime, deixa uma ponta do baseado para trás, o que basta para o chefão descobrir que aquele baseado é nada mais nada menos do que Pineapple Express. Dai pra frente, o óbvio. Os traficantes partem atrás de Denton e Saul que numa fuga tresloucada causam confusão atrás de confusão.

“Segurando as Pontas” é mais uma comédia da grife Judd Apatow (”O Virgem de 40 Anos”, “Superbad”) e é impossível sair mal-humorado da sala de cinema. Beirando o cinema pastelão, “Segurando as Pontas” cria situações cômicas e surreais que fazem o espectador rir desesperadamente. O carisma da dupla Seth Rogen e James Franco brilha em um filme que se faz de idiota, mas levanta bandeira contra o uso de drogas culpando-a por todas as bobagens acontecidas na tela.

O filme estreou bem nos EUA, e apesar de toda maconha queimada na tela até a última ponta sugere carolice e valoriza a amizade de uma forma tão sutil que até espanta a manada de elefantes que passa pela tela a todo o momento arrancando gargalhadas do público. Há méritos no jovem cinema pipoca de Judd Apatow, que se sai bem ao enfrentar as armadilhas do tema permitindo a comparação ilícita: como filme, “Segurando as Pontas” faz você rir sem parar. Só não vicie!

Foto: Divulgação

Foto: Divulgação / Tim Festival

Na quarta noite do Tim Festival em São Paulo (sexta, 24), a Arena montada no Parque do Ibirapuera recebeu DJs para o palco Tim Festa. E foi mais ou menos isso que aconteceu em duas das apresentações. O norte-americano Dan Deacon chegou quebrando tudo e colocando todo o som do palco no último volume. Ouvidos foram desvirginados nas três primeiras músicas com o som alcançando decibéis mais altos dos que os que o My Bloody Valentine vem executando em sua recente turnê.

Como apenas barulho não basta para garantir uma boa apresentação, Dan Deacon abaixou o som, desceu para a pista e ali, no meio da galera, montou uma quadrilha eletrônica que alternava momentos que lembravam tanto Four Tet quanto Nine Inch Nails enquanto os presentes faziam brincadeiras, um perfeito aquecimento para o que viria a seguir. O punk cigano de Gogol Bordello foi recebido com histeria – merecidissima – pela platéia paulistana.

Liderados pelo vocalista e ator Eugene Hutz (foto), o grupo promoveu um baile punk com dançarinas vestidas com top do Santos Futebol Clube, guitarras metalizadas, bateria hardcore, acordeon, violino e muito vinho. O som parece uma porrada de carros entre o pessoal do Pogues com a turma de Henry Rollins. Em vários momentos é possível reconhecer passagens do Clash, mas a grande referência é o Mano Negra, que por sinal foi homenageado na última canção do show, “Mala Vida”, simplesmente sensacional. Um dos shows do ano.

Fotos: S&Y/Marcelo Costa (http://www.flickr.com/photos/maccosta/)

No sábado de manhã, a provável última oportunidade para ver a lenda Sonny Rollins ao vivo no Brasil. Após o elogiado desempenho no Auditório do Ibirapuera, na terça-feira, um dos últimos remanescentes da época de ouro do jazz retornou ao local, mas desta vez para se apresentar virado para o parque, ao ar livre. Um sol forte castigava a pele paulistana enquanto meninas tentavam pegar um bronzeado de biquíni e homens buscavam cerveja. O show foi arrebatador, mas a constante movimentação do público e as conversas paralelas atrapalharam a audição, principalmente em números mais lentos.

Fotos: S&Y/Liliane Callegari (http://www.flickr.com/photos/lilianecallegari/)

À noite, encerramento da edição paulista. Comandados por Matt Berninger, o National fez uma apresentação absolutamente perfeita na Arena. O show foi um repeteco das apresentações que vi no Rock Werchter 2008 e no FIB, com a vantagem de que no Brasil o grupo se apresentou à noite, e não no meio de uma tarde européia com sol a pino e tenda abafada. O som atmosférico, às vezes gélido e quase sempre épico, do grupo de Nova York pede a escuridão como complemento como se precisasse dela para dançar apaixonado entre sorrisos e lágrimas.

Não à toa, Matt trava durante todo o show um duelo contra o microfone. Ele agarra o objeto de uma forma que lembra muito Beth Gibbons, do Portishead, e solta sua voz forte que corta a atmosfera como se fosse um machado. Há resquícios de Joy Division, Leonard Cohen e Nick Cave, mas o parente mais próximo é a elegância do Tindersticks. O repertório alterna grandes momentos dos dois últimos álbuns como “Start a War” e os quase hinos “Secret Meeting”, “Baby, We’ll Be Fine”, “Squalor Victoria”, “Mistaken for Strangers”, “Apartment Story”, “Fake Empire” e “Mr. November”.

Para o final da apresentação, valorizando o duo de metais que deu um colorido especial ao show, um presente para o público paulista (e brasileiro) que não foi dado aos belgas e espanhóis: “About Today”, do raro EP “Cherry Tree”, em versão jam session dedicada a um fã brasileiro. Extremamente soltos no palco, os músicos levaram a canção ao ápice instrumental para estilhaçá-la em barulho na frente de todos. Após entregar a garrafa de vinho que bebia (e set list, e autógrafos, e toalhas) para uma fã na frente do palco, Matt deixou o local aclamado pela audiência. Show inesquecível.

Foto: S&Y/Liliane Callegari (http://www.flickr.com/photos/lilianecallegari/)

O mesmo não pode ser dito do MGMT. Ao vivo, a veia eletrônica da dupla Ben Goldwasser e Andrew VanWyngarden foi trocada por psicodelia progressiva setentista em formato banda (acompanhados por James Richardson na guitarra, Matthew Asti no baixo e Will Berman na bateria). Longos solos de guitarra marcaram a apresentação, que poderia ter feito bonito no Monterey Festival 67. O timbre vocal de Ben Goldwasser lembra em alguns momentos o de Geddy Lee, do Rush, enquanto a tecladeira emulava ícones prog numa mistura estranha e cansativa.

Metade do público vibrava enquanto a outra bocejava. Nem o cirquinho armado no começo do show – que culminou no julgamento e enforcamento de três bichinhos de pelúcia – serviu para aproximar o quinteto do público. O cenário mudou radicalmente nas duas últimas canções, os hits “Time To Pretend” (tocado com banda, mas de forma econômica e muito parecida com a original) e “Kids” (sem banda, com playback instrumental, programação e um solo metaleiro no final). Serviu para mostrar que a banda poderia ter feito um bom show, mas não fez.

Amargando o descaso do público, que aumentou nesta última noite, mas faltou nas anteriores, o Tim 2008 mostra que preços altos e artistas pouco conhecidos não garantem um festival. Mais: bons shows como os de Klaxons, Gogol e National mereciam um público maior, mas após três anos de desorganização em São Paulo, a grife Tim viu o público abandonar o evento. Pena. A produção melhorou: a tenda montada no Ibirapuera funcionou (embora na última noite, com um público maior, houvesse filas imensas no banheiro) e o som estava ok. Resta à produção manter os acertos de 2008 e repensar a proposta para 2009 para voltar a ser o melhor festival do país. O público agradece.

Leia também:

- Tim 2008: Punk rave do Klaxon vs tristeza de Marcelo Camelo (aqui)
- Tim 2008: Kanye West faz “showzinho” (aqui)
- Tim 2007: Björk brilha no fraco Tim Festival SP 2007 (aqui)
- Tim 2006: Patti Smith, Devendra, Yeah Yeah Yeahs (aqui)
- Tim 2006: Beastie Boys são aclamados no Tim Curitiba (aqui)
- Tim 2005: Strokes, Costello e Television (Weezer e Mercury Rev) (aqui)
- Tim 2004: Libertines e Brian Wilson (PJ Harvey e Morrissey) (aqui)
- Tim 2003: White Stripes, Los Hermanos e Beth Gibbons (aqui)

Como você deve imaginar, eu recebo mais e-mails que dou conta de ler, e mais indicações de novas bandas e discos do que consigo ouvir no meu dia extremamente corrido. Gostaria de poder responder todos os e-mails e ouvir todos os links de My Space que me passam logo na primeira hora, mas infelizmente não consigo (e, se tentar, é bem provável que eu até os ouça, mas não consiga escrever, o que seria - ao menos para mim - muito pior).

O que acontece comigo também acontece com praticamente todo mundo do meio (não excluindo ninguém), e chamar a atenção dessas pessoas cujo tempo é algo raro (e dias de 36 horas são um sonho) é muito, mas muito difícil. Foi por isso que quando recebi via My Space o e-mail (spam?) da Kara, algo chamou a minha atenção. O e-mail é doce e delicado como nunca li em nenhum release em minha vida, que trata a música com a mesma paixão com que nós ouvimos. Foi assim:

Hi, my name is Kara, and I work at a little indie record label in Seattle, WA. I drink hot tea every day (even in the summer) and sit at a computer near a window that overlooks construction. My job is to help promote singer-songwriter Peter Bradley Adams. I’m not raking in the big bucks, but I love it because I really believe in his music.

So here’s the part where I try to convince you to listen to this tune we’re giving away — The problem is there are a billion and one singer-songwriters out there. Heck! I’m one of them! With so much music all around us (and much of it sounding the same) what can I say that will interest you enough to check him out? Anything I say will sound cliche. I’m beat before I’ve even begun.

All I can do is honestly tell you that Peter’s song “Los Angeles” gives me goosebumps every time I hear it…. There’s something about the simple chord progression in the piano that touches me instantly, catching my full attention far before the lyrics enter. As for the lyrics, I was just saying to my coworker that they appeal to that sentimental part of me that likes to personify my surroundings and divine meaning from subtle movements in the world around me. For instance, lamps always turn off as I approach them. The logical conclusion: I must be part vampire.

Whatever my genetic makeup, Peter’s music truly reaches me:

http://www.myspace.com/peterbradleyadams
That’s his MySpace page. (His song “Los Angeles” is on my profile)

And here’s a link to that tune I promised to give you:
http://sarathan.Com/free/peterbradleyadams/

Anyway, thanks for your time!

-Kara @ Sarathan Records
http://www.sarathan.com

Marcada pelo cancelamento de dois headliners (Paul Weller e Gossip), a terceira noite da edição paulista do Tim Festival começou com o samba jeitoso de Roberta Sá no Auditório Ibirapuera. De vestidinho “Emília”, a cantora misturou canções de seus dois álbuns (”Braseiro” e “Que Belo Estranho Dia Para se Ter Alegria no Show”) lembrando em alguns momentos Marisa Monte. Sai do Auditório cantando “Alo Fevereiro” (”Tamborim avisou, cuidado / Violão respondeu, me espera / Cavaquinho atacou, dobrado / Quando o apito chegou, já era”).

Do outro lado, na tenda Novas Raves, a responsabilidade de abrir os trabalhos ficou a cargo do Neon Neon, grupo que chama a atenção por ser um projeto paralelo do gente boa Gruff Rhys, vocalista do Super Furry Animals, em parceria com o produtor Boom Bip, que embarca em uma viagem estranha aos anos 80 temperada com momentos de hip-hop. Quem roubou a noite, no entanto, foi o artista performático Har Mar Superstar, baixinho, gordinho, cabeludo e careca, com uma camiseta do Menudo e muito pique para agitar a galera mais do que o Neon Neon. No mínimo, rendeu boas risadas.

De volta ao Auditório, a quantidade de espaços vazios impressionava. Quem apostava em uma invasão de fã dos Los Hermanos errou. Em sua primeira apresentação em São Paulo, Marcelo Camelo amplificou as qualidades e defeitos de “Sou”, sua estréia solo. As músicas tristes (e chatas) ficaram mais tristes (e muito mais chatas) e temas alegres como “Menina Bordada” ganharam com os bons improvisos do sexteto Hurtmold (acrescidos do trompetista Rob Manzurek, de Chicago).

A jovem cantora Mallu Magalhães, sentada na primeira fila, viu Marcelo Camelo tocar “Janta” (que conta com sua participação no álbum) e duas canções dos Hermanos surgiram (”Pois É” e “Morena”) numa apresentação marcada pela monotonia e com algumas boas intervenções do Hurtmold. O show ainda está cru, mas deve crescer conforme banda e artista se entrosarem, o que talvez melhore até as faixas mais fracas de “Sou”, o que dúvido. O próprio Marcelo Camelo percebeu o excesso de calma no palco ao dizer, em certo momento, que “falta um pouco de desordem” no show. Falta mesmo.

Novamente na tenda, o Klaxons baixou em São Paulo para fazer demônios dançarem com sua punk rave (muito mais punk que rave). Os ingleses baixaram em São Paulo para apresentar as grandes canções do ótimo álbum “Myths of the Near Future” em versões rápidas, pesadas e diretas de “Totem On The Timeline”, “Gravitys Rainbow”, “Its Not Over Yet”, “Atlantis To Interzone”, “Magick” e ainda duas inéditas (fraquinhas numa primeira audição): “Moonhead” e “Calm Trees”. Har Mar Superstar voltou para encoxar os músicos e botar fogo no final da apresentação, 55 minutos vigorosos que valeram a noite, mas o Tim Festival 2008 continua devendo.

Fotos: Lili Callegari (http://www.flickr.com/photos/lilianecallegari)

Lembra que eu tinha dito que iria palestrar na segunda passada na Sercom da UniRadial? Bem, foi. O pessoal adorou, mas preciso melhorar muito com palestrante. Mesmo. A palestra que dei em Araraquara, ano passado, foi melhor. Nessa da Sercom eu tentei seguir por temas e acabei me confundindo um pouco, mas a própria turma me ajudou com ótimas perguntas que permitiram que eu voltasse a falar de coisas que eu tinha pulado durante o bate-papo. Meta pessoal agora: montar uma boa palestra para uma próxima oportunidade. Seguem links do site do evento e uma entrevistinha que fizeram comigo (”mestre” é um tremendo exagero, mas tudo bem - risos):

- Sercom 2008 (aqui)

- Entrevista (aqui)

O míni dicionário Houaiss define a palavra “show” da seguinte forma: “espetáculo de entretenimento apresentado para uma platéia”. Olhando por este prisma reducionista, Kanye West cumpriu todos os requisitos na apresentação que fez no Tim Festival: era um espetáculo e ele entreteve a platéia. Porém, foi tudo tão pobre (telão, palco, músicas, apresentação) que dizer que foi um show seria exagerado demais.

O público era formado por pessoas que pagaram o superfaturado preço de R$ 250 pelo ingresso e iriam cantar todas as músicas de qualquer jeito. Muitos fãs – pessoas que já saem de casa gostando do show – e curiosos também foram conferir o que revistas gringas apontaram como o espetáculo do ano, e juntos estes públicos deixaram metade da nova Arena do festival em São Paulo – agora no Ibirapuera – vazia.

Não dá para entender o motivo de tanta balbúrdia sobre a turnê Glow In The Dark. O palco tenta criar um território acidentado no espaço, mas não convence e fica parecendo mais uma pista de aeróbica. As imagens no telão em 80% do show são ridículas e lembram tanto telas de descanso do Windows quanto projeções distorcidas e em pior qualidade de um Planetário.

Kanye West passa todo o tempo do show contracenando com o telão enquanto corre de lá para cá na pista de aeróbica. Ele é, segundo a voz do telão, o maior astro pop do Planeta Terra, e talvez se convença disso, tanto que fica sozinho à frente do público enquanto uma banda (hipotética, já que 99,5% do público não a viu) de nove integrantes faz a cama sonora para seu passeio pelo Universo.

A impressão que fica, após o show, é que voltamos dez anos em termos de produção de espetáculos. O show de Kanye West consegue se adaptar ao Houaiss, mas está longe de ser algo que pudesse concorrer ao título de melhor do ano, quando mais ser apontado como tal. É entretenimento que atola os dois pés no piegas enquanto posa de inventivo deixando o mais importante em segundo plano: a música. Quer uma super-produção de verdade? Espere a Madonna. Kanye West foi pura enganação.

 Crédito da foto: Divulgação/Tim Festival